EL ÚLTIMO ANOCHECER

Cambio de chaqueta

2009-07-06T22:55:00.002+02:00

Lo siento querido Blogger: fue bonito mientras duró, pero me paso a Wordpress que mola mucho más. El blog sigue aquí con todos los contenidos de éste y muchas cosas nuevas.

Nos vemos.

Kansas - Leftoverture

2009-06-15T22:49:00.012+02:00

Esta misma tarde, tras escuchar Leftoverture de Kansas, me dije a mí mismo: "voy a abrir una entrada de blog sobre este disco". ¿Y por qué? Porque es un disco cojonudo, ni más ni menos. Nunca está de más homenajear con unas pocas palabras esta pequeña maravilla.

Kansas es una banda curiosa, pues camina un poco entre dos aguas, y es frecuente e injustamente despreciada por los seguidores del rock progresivo, al considerarla una fábrica de hits comerciales y AOR. Todo el mundo ha escuchado alguna vez Dust in the Wind o Carry On Wayward Son, sus dos canciones más famosas (y grandes temas, por otra parte); pero son muchos menos quienes conocen su faceta como banda absolutamente puntera en el rock sinfónico y progresivo, así como su indiscutible influencia en dicho ámbito.

¡Pintacas! Hay que joderse... los musicazos que se esconden
tras ese aspecto de piltrafillas

Leftoverture, su cuarto álbum publicado en 1976, es para muchos su mejor trabajo, y no voy a ser yo quien ponga la nota discordante ante tal aseveración. Es más, se trata, personalmente, de uno de mis discos favoritos de esa década, así como del rock progresivo e incluso del rock en general.

Mi primer contacto con Kansas fue tardío, y ocurrió de forma bastante típica en mí: tirando del hilo de las influencias de un grupo que me gustaba muchísimo por entonces, y me sigue gustando, aunque algo menos: Symphony X. Siempre aprecié sobremanera la faceta más sinfónica suya: cosas como Accolade, Communion and the Oracle, Candlelight Fantasia... temas realmente deliciosos. El caso es que me cantó un pajarito al oído que esas canciones no existirían sin la influencia de Kansas, y raudo y veloz me dispuse a comprobarlo. Qué gran verdad: la construcción de los temas, las melodías, el uso de los instrumentos, incluso la voz; todo, todo podía identificarse inequívocamente con estos primerizos Kansas.

El mago de las cuerdas vocales: Steve Walsh

Evidemente todos esos factores jugaban a mi favor para disfrutar de esta banda, pero hay que mencionar uno, importantísimo, que merece capítulo aparte: la voz. Una de las cosas que menos me gustan del rock progresivo -por otra parte, uno de mis géneros preferidos de la música en general- es el habitual bajo nivel de los vocalistas, sobre todo en comparación con la habitual solvencia instrumental de este tipo de agrupaciones. Afortunamente, Steve Walsh -también teclista- escapa por completo de esta regla general al ser dueño de una voz excepcional, con cuerpo, buena técnica, un timbre tremendamente agradable, y reforzada por excelentes líneas vocales y unas cuidadas armonías. Todo un gustazo escuchar a este hombre, especialmente en temas como The Wall, una de las estrellas de Leftoverture.

Ya están viejunos, pero se lo siguen pasando pipa, y
partiendo la pana

Otro tema a destacar, dentro del muy alto nivel del disco, es Magnum Opus, en este caso mayoritariamente instrumental y, como de su título se puede deducir, el más largo, progresivo y ambicioso. Seguramente sería el que eligiera para convencer a todos aquellos progheads escépticos de que la capacidad compositiva de Kansas va mucho más allá de sus hits melódicos. Hits, no obstante, que también poseen una asombrosa calidad musical, como es el caso del mismo Carry On Wayward Son, encargado de abrir el disco con los inconfundibles coros y esos riffs que siempre me han parecido tan Dream Theater (quienes les rinden merecido tributo en una de las versiones que aparecen en su álbum A Change of Seasons).

Con una música tan brillante y vital como la suya es normal que
pongan esas caras. A mí me ocurre igual cuando los escucho.

Merece también la pena mencionar el interesante y variado trabajo de teclados del que se encargan tanto Walsh como el guitarrista Kerry Livgren, sea Hammond o diversos sonidos solistas que se entrelazan frenéticamente con las guitarras y base rítmica, así como el toque preciosista del violín de Robby Steinhardt.

Si os apetece escuchar algo que aúna momentos desenfadados y hasta divertidos con una técnica y una musicalidad impecable, Leftoverture es vuestro disco.

¿Los audiófilos somos de fiar?

2009-06-03T20:47:00.001+02:00

Yo creo que sí, y voy a tratar de convenceros de que así es. Pero, ¿qué demonios es un audiófilo?

Podría decirse que audiófilo es todo aquel obsesionado con la tecnología en relación a la escucha de música, que se estruja el cerebro y el bolsillo buscando la mejor calidad posible en los reproductores de sonido, así como tratando de conseguir la ubicación perfecta en la sala de escuchas para su disfrute óptimo. Esto lleva a veces a hacer de un salón o habitación un antro de uso casi exclusivo para uso del melómano en cuestión, con las consecuencias lógicas: juramentos en arameo si suena el teléfono durante la sesión de escucha, insultos a familiares y/o amigos que cometen la insensatez de adentrarse en el lugar y, lo que es peor, llegar a dirigir la palabra al oyente y repetir si éste no reacciona, faltas constantes de puntualidad en citas y/o trabajo por ser incapaz de interrumpir la escucha de una canción o disco concretos, etc.

Vale, no es muy convincente, pero qué coño, primero la música y luego el resto del mundo, ¿no? Si no entiendes esto, no sé qué haces entrando aquí.

Chorradas aparte, el párrafo anterior sirve como introducción improvisada al tema del que me gustaría hablar hoy, algo muy extendido en el cine, pero no tanto en la música: el sonido surround o envolvente, generalmente en formato 5.1.

Hace algo más de un año que decidí invertir parte de mis ahorros en la compra de uno de estos sistemas de sonido 5.1, pues en mi colección de discos se iban acumulando unos pocos trabajos que, en su edición limitada, incluían un DVD con dicha mezcla. La pregunta es sencilla: ¿merece la pena gastarse unos cientos de euros en esto?

En mi opinión depende básicamente de tres factores: la forma de entender la música, las condiciones de escucha, y el espacio disponible. Si sois de los que os gustan las producciones cuidadas y, como mínimo, medianamente sofisticadas, tenéis tiempo y ganas de sentaros de vez en cuando a escuchar sin hacer ninguna otra cosa, como si viéseis una película, y disponéis de una habitación o salón susceptible de instalar uno de estos equipos (básicamente en cuanto a la colocación de los altavoces de acuerdo con alguna de las imágenes anteriores), no os arrepentiréis. Hay determinados discos que duele escuchar en estéreo tras haberlos experimentado en surround, pues el sistema de dos altavoces impide apreciar gran parte de los matices.

Steven Wilson gafapasteando en su estudio

Es el caso, por ejemplo, de la música de Steven Wilson. No es mi intención ni mucho menos ponerme a hablar en esta ocasión de la obra de este geniecillo, pero es imposible dejarle de lado si queremos discutir sobre las bondades de las mezclas en 5.1, pues es quizá el gran gurú del tema en la actualidad, reconocido de forma unánime como uno de los mejores ingenieros de sonido al respecto.

Como él mismo afirma, su música está pensada y enfocada, desde el mismísimo proceso de composición, a explotar las posibilidades del sonido envolvente, y éste es el único modo de disfrutarla al 100%. Es imposible estar en desacuerdo con él una vez comprobado. Quienes le conozcáis sabréis perfectamente que su música es rica en diversos arreglos y efectos, y su manera de repartir los distintos elementos por los altavoces es magistral. Hacer buenas mezclas en 5.1 es muy difícil, pues hay que ser muy cauto a la hora de repartir la salida de los sonidos, y al mismo tiempo ser lo suficientemente atrevido como para sorprender al oyente y marcar la diferencia con el estéreo.

Insurgentes: el álbum mejor mezclado en surround que he escuchado

La oferta actual de trabajos discográficos publicados en 5.1 es cada día más amplia. Los principales factores a la hora de valorar su adquisición son el formato del mismo, en función de la compatibilidad con el reproductor, que puede variar entre DVD-Audio (DVD-A) y Super Audio CD (SACD), el género musical (cuanto más sofisticado y rico en arreglos, más ganará) y la calidad de la mezcla, algo que se puede adivinar conociendo el autor de la misma y leyendo reseñas. En este sentido es muy recomendable visitar el foro de la web Quadraphonic Quad, donde se analizan con gran rigor (en inglés) todo tipo de publicaciones en este formato, utilizando encuestas y demás para un rápido juicio de valor.

Dicho esto, paso a analizar muy brevemente los discos que poseo mezclados en 5.1:

Dream Theater - Systematic Chaos: aunque peca notablemente de la infame loudness war, es una excelente mezcla. Particularmente emotivo es escuchar el tema Repentance con todas las voces y susurros surgiendo de los altavoces traseros en la parte final del mismo. Hay que tener en cuenta que el ser humano reacciona con cierta incomodidad y suspense ante los sonidos procedentes de detrás, siendo esto muy efectivo para dar un toque cinematográfico y dramático a la música. También es un festín para los fans de Mike Portnoy y sus virguerías percusivas, que rodean al oyente cual si estuviese sentado en las propias rodillas del entrañable Miguelito.

Katatonia - The Great Cold Distance: esta mezcla tiene un fallo importante, y es que el altavoz central, generalmente utilizado para las voces e instrumentos solistas, no está aprovechado en absoluto, siendo en la práctica una mezcla 4.1. Aún así, es escuchar las armonías vocales de estribillos como el de My Twin y rendirse ante la superioridad sobre el estéreo.

No-Man - Schoolyard Ghosts: viniendo de Steven Wilson no hay mucho que decir. Perfecta, una maravilla de dinamismo y sutileza a la hora de repartir los sonidos alrededor del oyente.

Opeth - Ghost Reveries: una lástima lo de esta mezcla. Es básicamente un estéreo repartido de forma equitativa por todos los altavoces, sin dinamismo alguno. Mejor escucharlo en estéreo, que suena fantástico, porque el surround no merece la pena en este caso. El álbum se presta a ello, pero la mezcla no está a la altura.

Opeth - Still Life: bastante buena. Excelente uso del altavoz frontal, con la voz de Akerfeldt y sus solos de guitarra sonando absolutamente cristalinos, y buen efecto "muro de sonido" en los pasajes cañeros. Gran sonido de acústicas, cual si el propio Mikael estuviese tocando en tu habitación. Buen dinamismo en cuanto a efectos de producción y diversos juegos y armonías vocales.

Opeth - Watershed: mezcla muy similar a la de Still Life.

Porcupine Tree - Stupid Dream, Lightbulb Sun y Fear of a Blank Planet: como en el caso de No-Man, espectaculares. Nadie sabe explotar mejor las posibilidades de este formato que nuestro gafitas favorito.

A Night at the Opera: otra excelente muestra de las bondades
del surround

Queen - A Night at the Opera: exceptuando las de Steven Wilson, la mejor mezcla envolvente que he escuchado. Todos esos juegos vocales de Queen estaban pidiendo a gritos sonar de esta forma.

Steven Wilson - Insurgentes: sublime. Los muros de sonido en las partes más noise/industriales envuelven al oyente de manera inimaginable.

Symphony X - Paradise Lost: me gustaría infinitamente más tener un disco como V en surround, más sinfónico y rico en instrumentación que aquél. Pero no está nada mal, y los pasajes con teclados ambientales y arreglos corales adquieren una nueva dimensión, sonando realmente enormes.

Espero ir aumentando mi colección poco a poco. ¿Alguien más se anima a empezar?

Dibujando círculos

2009-04-24T00:10:00.004+02:00

En tres semanas tendremos a los holandeses Textures en nuestro país, con ni más ni menos que 5 fechas repartidas por la península al módico precio de 8 € por concierto. Yo no podré ir a verlos, con lo cual lo suyo sería que los demás se jodan y tampoco los vean. Pero como soy un buen tipo, voy a tratar de convenceros de que no debéis perderos a estas gentes, hablando de un disco que me fascinó a primera escucha y sigue haciéndolo hoy en día, ya tres años después de su salida.

Drawing Circles, segundo álbum de Textures, es, en pocas palabras, una clase magistral de cómo hacer metal moderno y vanguardista. Ellos afirman literalmente que les gusta hacer "música que haga sangrar nuestros oídos". Y sí, poseen el suficiente nivel de agresividad y locura sónica como para conseguirlo, pero también saben cómo curar nuestros dañados tímpanos con algunos pasajes de una belleza sencillamente sobrecogedora. Siempre me ha gustado definirlos como "un improbable Meshuggah meets Anathema" y realmente creo que consiguen aunar buena parte de las cualidades de enfoques musicales tan dispares sin sonar dispersos ni incoherentes.

El mérito de Drawing Circles reside precisamente en eso: se trata de un álbum de contrastes, pero homogéneo. Complejo y a la vez asequible. Hiriente y suave al mismo tiempo. Son muchos los adjetivos que pueden utilizarse, pero por encima de todo es un trabajo de una calidad asombrosa. Eric Kalsbeek, el pirado que vocifera en la imagen bajo estas líneas, es todo un maestro a la hora de alternar registros hardcoretas con voces limpias y logradísimas armonías vocales. El segundo tema, Regenesis, constituye una estupenda muestra de ello.

Quienes disfruten con los polirritmos de Meshuggah encontrarán aquí una considerable dosis de metal tocado con precisión quirúrgica, pero no son menos destacables los momentos ambientales como por ejemplo Upwards, una de las canciones más preciosistas y envolventes que recuerdo. Es cerrar los ojos y sentir el suave balanceo de las olas del mar haciéndose poco a poco más notorio hasta alcanzar el clímax. Un buen bálsamo ante la auténtica tormenta de riffs que nos ofrecen temas como Millstone, cuyo pasaje instrumental intermedio es descomunal, digno de unos Meshuggah versioneando a The Dillinger Escape Plan. Otros como Touching the Absolute o Denying Gravity consiguen un buen balance entre ambos extremos.

La producción es simplemente perfecta para este tipo de música. Cristalina y con mucha pegada, enfatizando la técnica de estos tipos y sin saturar. Incluso el bajo es perfectamente audible, algo no tan frecuente en estos estilos. Es verdaderamente curiosa la sensación de relajación y hasta paz interior (sí, como lo oís) que me deja la escucha de este disco. A pesar de la predominancia del componente agresivo y metálico, la calidad melódica es tan grande que acaba dejando una huella mayor.

Aunque no he tenido la oportunidad de asistir a un concierto suyo, las referencias de quienes sí lo han hecho no podrían ser mejores. Recuerdo cuando estuve viendo a los ingleses To-Mera y, charlando con su guitarrista tras el concierto, me comentó que Textures era "la banda más precisa que había visto tocando en directo, sin perder un ápice de intensidad", y no se cansaba de repetirme lo impresionado que quedó con el batería. Yo no podré comprobarlo esta vez, pero espero que quienes tengáis la oportunidad y las ganas no os lo penséis. Promete ser el evento con mejor relación calidad/precio del año.

Repasando las reglas del infierno

2009-04-21T19:25:00.007+02:00

No hace falta excusa alguna para escuchar a Black Sabbath pero, con motivo de la inminente salida del álbum de Heaven & Hell, más la reciente publicación de la caja recopilatoria que vemos sobre estas líneas, parece un momento idóneo para repasar algunos de los discos básicos para cualquier amante del hard rock y el metal en general.

Concretamente esta caja titulada The Rules of Hell agrupa, remasterizados, todos los trabajos del grupo con Dio como vocalista, esto es: Heaven and Hell, Mob Rules, Dehumanizer y el directo Live Evil.

Lo cierto es que para Black Sabbath, que se encontraban en horas bajas a finales de los 70 tras la marcha del cantante original Ozzy Osbourne, la llegada de Ronnie James Dio, ya consagrado como una de las mejores voces del rock con su trabajo en Rainbow, fue una bendición. Con sonido e inspiración renovadas vio la luz el álbum Heaven and Hell en 1980, en el que Black Sabbath redefinieron el heavy metal presumiblemente creado por ellos mismos con un enfoque más elegante y melódico, más "light" por así decirlo, perdiendo en gran parte esa oscuridad y pesadez de sus inicios que tanto influirían al doom metal.

Nada más escuchar los primeros segundos de Neon Knights quedaba patente lo acertado de la inclusión de Dio en el grupo, con esas inolvidables melodías vocales. Hay variedad para todos los gustos... la épica Children of the Sea, con su preciosa introducción acústica, el pegajoso toque rockero de Lady Evil, la maestría a la hora de crear riffs a medio tiempo por parte de Tony Iommi en la propia Heaven and Hell... todos los temas tienen su identidad y contribuyen a conformar un disco redondo, perfecto en su género. No me gustaría dejar de lado la labor del gran Geezer Butler, uno de los pocos bajistas de heavy metal capaces de sellar la impronta de su inconfundible estilo, aportando mucho más que un mero apoyo de graves a las guitarras.

El listón estaba tan alto que no pudieron superarlo un año después con Mob Rules, disco que en muchos aspectos seguía la estela de Heaven and Hell (con cambio de batería: Vinnie Apice sustituyendo a Bill Ward) pero fallaba en lo más importante: las composiciones. De forma relativa, claro está; en realidad su único lastre es la comparación con el anterior álbum, pues en sí mismo es más que disfrutable. En particular destacaría la épica y extensa The Sign of the Southern Cross, donde la voz majestuosa de Dio se desenvuelve como pez en el agua, y el aire rockero a lo Led Zeppelin de Slipping Away.

Poco más tarde reflejarían sus giras en el directo Live Evil, el cual no he escuchado nunca. No soy particularmente aficionado a los discos en vivo, aunque seguramente éste tenga bastante interés por comprobar cómo interpreta Dio algunas canciones de la era Ozzy.

Dio dejó la banda para comenzar su carrera en solitario, llevándose consigo a Vinnie Apice, pero sólo iba a ser un punto y aparte en este capítulo de Black Sabbath. En 1992, y tras varios excelentes trabajos con el vocalista Tony Martin, la formación de Mob Rules se reunió, dando como fruto un álbum titulado Dehumanizer.

Con Dehumanizer Black Sabbath se desmarcaron del estilo predominante en los otros dos discos en pos de un sonido claramente más pesado y oscuro, con muchos temas a medio tiempo, más próximos al doom metal. La voz de Dio se tornó más agresiva y rasgada, con menos matices que antaño. Aunque hubo muchas críticas por la aparente falta de ese brillo y frescura, así como por cierta irregularidad en cuanto a la calidad de las canciones, personalmente me gusta mucho. Se percibe por momentos cierta monotonía y melodías un tanto apagadas y lineales, pero temas como Computer God o Master of Insanity poseen el suficiente gancho como para ser recordados entre toda la discografía del grupo, y los demás no desmerecen.

Algo tienen Black Sabbath y en concreto esta trilogía de discos para fascinar de este modo a alguien como yo, tan poco afín en líneas generales al heavy metal de corte clásico...

OSI - Blood

2009-04-14T23:18:00.004+02:00

Aún recuerdo cuando allá por 2003 saltaba una noticia que me provocó un entusiasmo incontenible: ¡Kevin Moore y Mike Portnoy juntos de nuevo en un disco! El motivo era la inminente salida del primer trabajo de este proyecto denominado OSI (siglas de Office of Strategic Influence, título del mencionado álbum). Regocijado en mi propio regocijo, me esperaba algo con elementos de Awake, mi favorito de Dream Theater y uno de mis discos de cabecera de la música en general.

No podía estar más equivocado. Office of Strategic Influence ofrecía una amalgama de sonidos electrónicos combinados con un trabajo de guitarra más bien simplote por parte de Jim Matheos (Fates Warning) y un Portnoy que se limitaba a tocar la batería sin influencia alguna en el resultado final. Para colmo, la voz de Moore me resultaba increíblemente insulsa, lineal y monótona.

Ya sin las expectativas iniciales, y con una evolución como oyente que me hacía más susceptible de aceptar estas sonoridades frías y experimentales, le di una oportunidad a su siguiente trabajo, Free, en el cual he de decir que, dentro de su irregularidad, encontré un par de temas relativamente brillantes.

De todos modos me olvidé de esta banda durante largo tiempo, hasta que saltó la noticia de que en su tercer álbum, titulado Blood y previsto para principios del 2009, iban a colaborar Mikael Åkerfeldt (Opeth) poniendo voz a un tema, y el extraordinario Gavin Harrison (Porcupine Tree) como sustituto de Portnoy detrás de la batería. Esto me provocó cierta curiosidad y decidí, años después, darle una nueva oportunidad a su debut. No voy a decir que me voló la cabeza, pero sí le encontré ciertas cualidades reseñables que mis gustos de antaño me impedían apreciar.

Con todos estos factores, mi predisposición a la hora de afrontar la escucha de Blood era bastante positiva. Como se puede ver en la fotografía promocional sobre estas líneas, OSI es el proyecto conjunto de Jim Matheos y Kevin Moore, en el cual los demás músicos participantes actúan de invitados, sin creatividad artística (con la salvedad de Åkerfeldt, que escribió las letras y líneas vocales del tema Stockholm). Sin embargo, es obvio el toque inconfundible de Gavin Harrison, en mi opinión mucho más apropiado para estas tesituras musicales que el de Mike Portnoy. A pesar de realizar una labor bastante sobria, no deja de resultar delicioso escucharle en temas como Microburst Alert, instrumental donde la batería es casi la protagonista a la que arropan las texturas envolventes procedentes del teclado de Moore. Creo que ningún otro batería podría aportar semejante brillo a un tema de estas características.

En general el disco mantiene un gran nivel de principio a fin y la voz de Kevin Moore, sin salir de su monotonía característica, crea buenas melodías y se adapta muy bien al contexto musical reinante, aportando incluso un cierto aire hipnótico de lo más atractivo. Hay un buen equilibrio entre la electrónica -Terminal o We Come Undone ejemplifican esta tendencia- y el rock/metal de corte progresivo -The Escape Artist, False Start o Be the Hero-, procedente de la combinación de ideas de Kevin Moore y Jim Matheos, respectivamente. En un punto intermedio se encontrarían canciones como la propia Blood, muy lograda en su atmósfera, y Stockholm, en la que Mikael Åkerfeldt nos regala una interpretación sobria pero muy emotiva, resultando en un agradable soplo de aire fresco frente a las voces predominantes en el resto del álbum.

Un muy buen disco con una interesante dosis de experimentalidad, gran sonido y abarcando lo que personalmente considero las mejores ideas de sus dos trabajos previos. Buena excusa para iniciarse con esta banda o darle una nueva oportunidad aunque no os hayan llamado la atención sus anteriores entregas. Eso sí, que nadie vaya esperando al Kevin Moore de los tiempos de Dream Theater porque no lo va a encontrar.

Jazz på svenska

2009-04-03T10:48:00.006+02:00

¿Jazz på svenska? ¿Qué demonios significa eso? Jazz en sueco. ¿Y todo esto a qué viene? Bueno, se trata del título de un álbum de Jan Johansson, pianista sueco, y padre de los muy conocidos en ambientes metaleros Jens y Anders, quienes han grabado discos con Stratovarius o Yngwie Malmsteen, entre otros.

Mi historia con este disco es bastante curiosa: cierto día, ojeando el foro de Opeth, me topé con un hilo sobre folk en el que el propio Mikael Åkerfeldt había escrito, señalando que este Jazz på svenska era poco menos que su álbum favorito de todos los tiempos. Como fan de Opeth, la curiosidad me pudo y me dispuse a escucharlo. ¿Qué me encontré? Una maravilla. 12 canciones tradicionales del folk sueco interpretadas en clave de jazz, con piano y contrabajo, nada más. Las melodías son bellísimas y es fácil percibir ese toque inconfundible que nos traslada a los parajes nórdicos que inspiraron aquellas canciones.

Parece ser que Jan Johansson, que murió joven por accidente de tráfico en 1968, nos dejó otros dos trabajos de características similares, en este caso basándose en la música folk de Hungría y Rusia, respectivamente. Visto su resultado en el presente disco y lo atractivo que me resulta el concepto de interpretar estas viejas melodías desde una perspectiva jazz, no me cabe duda que merecerán una escucha.

Candlemass: la magia del doom metal

2009-04-01T16:07:00.007+02:00

En estos días verá la luz Death Magic Doom, la nueva entrega de unos Candlemass que, paradójicamente, parecen encontrarse en mejor forma que nunca con 25 años a sus espaldas. Tras un inicio fulgurante a mediados de los 80 con dos álbumes, Epicus Doomicus Metallicus y Nightfall, considerados hoy en día piedras angulares del género, su carrera se fue diluyendo entre una serie de problemas internos que condujeron a la separación de la banda en 1993. Con formación variable, a finales de la década volvieron a la actividad para publicar un par de discos de corte más experimental que no terminaron de calar entre la mayoría de sus seguidores.

Finalmente saltó en 2005 la noticia de que se estaba gestando un nuevo álbum con la participación del vocalista clásico (que no original) de la banda: Messiah Marcolin. El disco, titulado simplemente con el nombre del grupo y presidido por una portada minimalista (nada que ver con los óleos que ilustraron algunos de sus trabajos en los 80) devolvió a estos suecos gran parte de la grandeza que les dio a conocer, con los característicos riffs monolíticos y las melodías épicas como elementos inequívocos.

Pero esta formación, la de los impecables caballeros que podemos ver sobre estas líneas, no duraría mucho por culpa del difícil y conflictivo carácter de Marcolin. Otro obstáculo para Candlemass cuando parecía que habían remontado el rumbo a su trayectoria. Sin embargo, desde la perspectiva, esto pudo ser un golpe de suerte. Sin negar los méritos de la operística e inconfundible voz de Marcolin, el sustituto que entraría en breve iba a dar el empujón definitivo que devolvería a Candlemass a sus días de gloria.

Robert Lowe. A título personal, indudablemente la mejor voz existente para este estilo de música. Procedente de los también grandiosos Solitude Aeturnus, no se me ocurre un mejor vehículo de expresión para los sentimientos lúgubres y desesperados que las composiciones de Leif Edling, el alma de Candlemass, requieren. Con él publicaron en 2007 un álbum de gran calidad titulado King of the Grey Islands, precedente de lo que nos encontraríamos más adelante, en el disco que nos ocupa ahora, Death Magic Doom.

Aunque el tema inicial If I Ever Die podría darnos la impresión equivocada de encontrarnos ante una banda de heavy metal al uso, los primeros segundos de Hammer of Doom, con un riff lentísimo y devastador, acentuado por el sonido rítmico de una campana, dejan claro que la leyenda del doom metal sueco ha vuelto de manera definitiva, y las virtudes mostradas en los dos trabajos anteriores de esta segunda juventud de Candlemass se encuentran aquí exaltadas y maximizadas. Quizá este disco se acabe convirtiendo en un clásico del doom metal tradicional, el de herencia directa de Black Sabbath, como en su día lo hicieron los dos primeros de estos mismos suecos más de veinte años atrás. El tiempo tendrá la última palabra.

La cara oculta de Steven Wilson (I)

2009-03-29T15:11:00.006+02:00

Hablar de Steven Wilson es sinónimo de Porcupine Tree, de reputado productor, de músico polivalente, íntegro y admirable como pocos. Sin embargo, detrás de su faceta más conocida se encuentran un sinfín de proyectos e inquietudes musicales, muchas veces ignorados por los seguidores de su banda principal; desde Blackfield y su reciente álbum en solitario hasta otros como Bass Communion, Incredible Expanding Mindfuck y el que en esta ocasión va a ocuparnos: No-Man. No-Man es el fruto de la colaboración entre Steven Wilson y el vocalista y compositor Tim Bowness, contando ya con varios trabajos publicados a lo largo de su historia.

La principal novedad respecto a otras de sus bandas o proyectos es que en No-Man las letras están escritas y cantadas por Tim Bowness, quien también colabora en la parte compositiva, limitándose Wilson a encargarse de la mayoría de la instrumentación, así como de ese inconfundible brillo final aportado por su mezcla y producción. Con frecuencia cuentan con la colaboración de músicos que resultarán familiares a los fans de Porcupine Tree, como el flautista y saxofonista Theo Travis, e incluso miembros de la propia banda como Gavin Harrison o Colin Edwin.

No-Man quedan lejos del rock progresivo y psicodélico con escarceos casi metaleros de los últimos Porcupine Tree; en su lugar nos encontramos con un pop delicado, repleto de exquisitos arreglos y melodías, muy ambiental y etéreo, sin olvidar algún que otro deje progresivo en cuanto a estructuras y duración de las canciones. Unas canciones que desprenden melancolía, a veces positiva y con un toque luminoso, y otras pesimista y desesperada, pero en cualquier caso de una belleza verdaderamente sobrecogedora, superior a la alcanzada por cualquiera de las otras músicas de Wilson.

Schoolyard Ghosts es el título del último álbum de No-Man, publicado en 2008, y para mí de entre lo más destacado del pasado año. La voz frágil de Tim Bowness conduce unas canciones en las que cada melodía que aparece parece superar a la anterior en emotividad y belleza, ensalzadas por los sutiles arreglos de Steven Wilson. Pero no todo es delicadeza; en el tema Pigeon Drummer nos sorprenden con unos pasajes violentos y ruidistas que crean un cruel contraste con la atmósfera dominante. Es obvia la influencia del reciente disco de Scott Walker, The Drift, el cual tendrá su merecido hueco en este blog cuando llegue su momento. Por destacar algo en particular dentro de un álbum de calidad muy homogénea, me veo obligado a mencionar Truenorth, tema estrella de 13 minutos de duración con una estructura maravillosamente fluida que culmina en un final precioso, de los de cerrar los ojos y dejarse llevar. Un disco ideal para quienes aprecien la faceta más ambiental de Porcupine Tree y también para todos aquellos que gustamos de escuchar música en tardes lluviosas...

¿Qué es El Último Anochecer?

2009-03-27T12:23:00.006+01:00

El Último Anochecer es un capricho personal. Un blog hecho por y para melómanos, con el único propósito de dejar constancia escrita de lo que se me ocurra a cada momento. A priori, la temática del mismo será exclusivamente musical, sin limitaciones estilísticas ni orden alguno; un disco recién descubierto, un concierto, una noticia... todo puede aparecer por aquí.

En un principio tuve la duda de qué idioma utilizar: español o inglés. Pero dado que la principal motivación del blog es el puro placer personal de escribir, sin ánimo especial de popularidad alguna, me decidí por el primero, que para algo es mi idioma nativo. Me gusta la idea de tener constancia escrita de mis opiniones musicales en un momento dado para poder revisitarlas en un futuro, y comprobar con una sonrisa pícara cómo podía uno pensar tal cosa por aquel entonces. Y si de paso alguien más lo lee, se siente motivado a escuchar lo que sea, y/o se crea un debate sano, mejor aún.

Algún día hablaré del disco que motivó el nombre del blog, pero eso probablemente sea mucho más adelante. Bienvenidos al último anochecer...